Sobre cinema e lobos

Amores Imaginários (Les amours imaginaires, 2010)

2012-02-05T09:24:00.000-08:00

AmoresImaginários conta a história de Marie e Francis, dois amigos que se apaixonampelo angelical Nicolas, e que a partir daí vão iniciar uma competiçãosilenciosa pela atenção e admiração dele. Nessa competição, os dois farão detudo para agradá-lo e começam uma amizade a três, sempre juntos, até na hora dedormir, os dois são incapazes de descobrir por quem Nicolas está afim, já queeste se revela um sujeito ambíguo a todo o momento, ou até mesmo de descobrirse ele está afim de um dos dois.

O triunfo dofilme está no fato de acompanharmos as peripécias desse triângulo quaseamoroso, acompanhamos o desespero de Francis e Marie para agradar Nicolas,esses personagens estão constantemente sendo filmados em câmera lenta nomomento em que estão se arrumando e caminhando pelas ruas, tomados pelaesperança de estar aos pés da beleza de “Nico” para poder agradá-lo e chamarsua atenção. Mais do que um retrato fiel sobre a necessidade de chamar atençãodaqueles que amamos, Amores Imaginários funciona como uma análise sobre a buscaincessante da juventude moderna pelo padrão de beleza universal, os personagensestão sempre maquiados, com o corte de cabelo perfeito e vestindo roupas caras,e são incapazes de perceber (assim como nós) o quão bobo isso soa, mas o filmeparece nunca ter a pretensão de julgá-los (ponto positivo), e sim de extrairbelas cenas da infantilidade de seus atos. Em contraponto a beleza “forjada”dos dois personagens, está a beleza angelical e quase etérea de Nicolas, umjovem que possui naturalmente todo o padrão de beleza que dizem que devemosalcançar, ele parece não fazer esforço nenhum para se tornar bonito e talvezisso seja o que mais invoque o amor deles.

Dolan é um joveme competente diretor (sim, ele tinha apenas 20 anos na época em que escreveu, dirigiue atuou no filme), usa música pop francesa até composições clássicas que a todoinstante parecem capturar os gestos mais bonitos do ser humano e provar que ocorpo humano já é bonito por si só, além do estilo na forma como enquadra seus personagens.

AmoresImaginários é um filme de moderado desespero, honesto até seu último segundo,que captura a alma insegura da juventude em relação ao primeiro amor, com umclima documental (já que este investe em pequenos depoimentos de estranhossobre fracassos amorosos), que facilmente se tornará modelo para qualquerdiretor que pretenda futuramente falar sobre amor na juventude.

Precisamos falar sobre o Kevin (We need to talk about Kevin, 2011)

2012-01-09T10:16:00.000-08:00

Precisamosfalar sobre o Kevin é um filme de análise de personagem, onde o objeto deestudo é Eva Katchadourian que tem sua vida mudada e destruída após o massacrecausado pelo seu filho na escola em que estudava.

Atravésde uma montagem fragmentada e não cronológica vamos conhecendo a vida de Eva emdiversos momentos, desde o início do namoro com seu marido até o momento em quetem que lidar com as consequências do ato cruel que seu filho cometeu. Amontagem aparentemente desconexa serve aqui para que possamos perceber erefletir sobre as mudanças, tantos físicas quanto psicológicas, que apersonagem principal sofre, enquanto Kevin ainda é criança, apesar de suarelação com o filho já se revelar conturbada, vemos na figura de Eva uma mulhervaidosa, inteligente e segura, ao passo que se revela extremamente cansada,distraída e antissocial depois da tragédia, e isso está extremamente claro notrabalho magnífico de Tilda Swinton, que abordarei a seguir.

Ofilme se inicia com a personagem feliz no meio de centenas de pessoas, sendocarregada toda suja de um líquido vermelho e a partir daí vai ser constante aluta de Eva para se livrar desse vermelho, seja quando ela acorda com a fachadade sua casa toda suja de vermelho em um ato de vandalismo ou quando seu filhosuja de vermelho as paredes do seu quarto com uma pistola de brinquedo só paravê-la desesperada. O vermelho aqui pode significar a dor da personagem quejamais a abandona e principalmente, a crueldade do ato de seu filho, por maisque ela limpe seu carro, a fachada de sua casa ou as paredes do quarto, atragédia nunca vai embora, o sangue sempre vai estar presente em suas mãos.

AssistirEva sendo lentamente devorada viva pela culpa e pela perplexidade se torna umprocesso extremamente doloroso para o espectador, conhecer uma Eva resignada etratada como a principal culpada do que aconteceu não é nada fácil, em certomomento ela está no corredor de um supermercado e de repente se escondeassustada e ofegante de uma mulher, deixando até sua bolsa para trás, quandomais tarde descobrimos que aquela mulher era mãe de uma das vítimas de seufilho, em outro momento Eva é agredida na rua e aceita a agressão como forma depunição, seja a agressão verbal ou física, isso vai destruindo a sua condiçãohumana aos poucos e sem perceber Eva caminha para o fundo do poço.

Ogrande triunfo do filme com certeza está no trabalho fenomenal de TildaSwinton, uma atriz que vem revelando-se mais competente a cada projeto. Tilda éhábil ao fragmentar o comportamento de Eva em dois momentos: antes da tragédia,como já havia citado, a personagem revela-se inteligente, vaidosa e feliz,demonstrando algumas nuances de revolta e insegurança perante o seu filho,mesmo que este ainda tenha seis anos de idade, ela se torna completamenteimóvel ao tomar qualquer providência em relação às atitudes provocadoras dele.Logo após a tragédia, Tilda expõe a mudança drástica que sua personagem sofreuao mostrar Eva quase como um animal indefeso, sendo tomada pelo medo de servista em público, e pela culpa através de nuances como um tom de voz mais baixoe sussurrado ou em um olhar cansado e perdido. Eva se empolga ao saber que podese conectar na internet, Eva corre para o lado contrário quando alguém grita seunome na rua, Eva aceita as ofensas e olhares de julgamento calada, como eudisse, não é uma tarefa fácil assistir a degradação humana de uma pessoa quenão teve culpa em relação a nada.

Se você ainda não viu o filme, pulepara o próximo parágrafo:

Kevinodiava a sua mãe mais do que tudo no mundo, e o grande objetivo de suaexistência na terra era transformar a vida dela em um inferno, mas poupá-la deser mais uma de suas vítimas talvez tenha sido um ato final de crueldade,porque morrer é rápido demais, deixa-la viva para suportar todos os dias a dorde perder sua família e ser constantemente o alvo fácil de uma sociedadehipócrita que aponta o dedo para todos os defeitos do outro, seria maisdoloroso e cruel, o que ele não contava é que poderia estar completamenteenganado.

Precisamosfalar sobre o Kevin reflete sobre um tema que filmes como Elefantes, de Gus Van Sant e Tarde Demais, de Shawn Ku já debateram,apenas com um ponto de vista diferente, focando na suposta culpa eresponsabilidade daqueles que deveriam educar para que seus filhos se tornassemseres humanos melhores.

Um homem que grita (Un homme qui crie, 2010)

2011-07-12T10:21:00.000-07:00

Uma das mais visíveis características do filme “Um homem que grita”, é um paradoxo, centrado no personagem central o filme usa ao longo da projeção o silêncio como um elemento dramático, e o personagem central ao contrário do que imaginávamos é um homem calmo, pacato, e que quase nem abre a boca para falar.

No seu desenvolvimento, percebemos a triste transformação da sua vida, de salva-vidas chefe passar a ser um simples porteiro, e é aí que se encontra o maior triunfo de seu roteiro, na exposição da dualidade de seu personagem. Sempre centrado no desenvolvimento da boa relação pai e filho, o roteiro nunca deixa esse questionamento claro e explícito, ele fica apenas subentendido, guardado, como na triste cena em que o pai assiste o filho sendo capturado pelo exército e este gritando por ajuda e ele não faz nada, permanece dentro do quarto calado, paralisado. O roteiro primeiro desenvolve com habilidade a boa relação de pai e filho entre os personagens centrais, e como essa relação é afetada depois que o pai tem de decidir se o filho vai para guerra ou não, e consequentemente, se vai conseguir seu emprego de volta ou não. Sempre dividido entre ser um pai dedicado e um homem com orgulho, nunca conseguimos ver o personagem central como alguém ruim pelas suas atitudes.

O filme possui cenas de forte impacto, como no momento em que ele está sentado em um banco que costumava sentar com seu filho, e a câmera vai se aproximando lentamente para seu rosto, enquadrando aquele homem desiludido, ou na cena em que sequer tenta ajudar o cachorro vira lata que sempre alimentava quando este é chutado pelo novo cozinheiro.

Um homem que grita é um filme tocante sobre a covardia que mora dentro de nós e sobre o poder devastador que ela tem sobre a nossa vida.

Reencontrando a felicidade (Rabbit Hole, 2011)

2011-04-26T16:35:00.000-07:00

Rabbit hole impressiona e emociona pela sua simplicidade. John Cameron Mitchell nos conta uma triste história de um casal que luta para seguir em frente depois da morte do filho pequeno em um acidente de carro. O casal, muito bem defendido por uma Nicole Kidman e um Aaron Eckhart no melhor exercício de suas profissões, lida com o luto e com a perda da maneira mais acessível que lhe convêm de formas muito diferentes e às vezes até contraditórias. Howie se apega a vídeos do filho, fotos, pegadas de mãos sujas nas paredes e qualquer coisa que o faça lembrar do filho, mas ao mesmo tempo aceita a opção de ter outro filho ou até mesmo de vender a casa, já Rebecca tenta se livrar de tudo, não na tentativa de esquecer, mas apenas na tentativa de amenizar a dor, como doando roupas, colocando os brinquedos no porão, ou tirando a cadeirinha do banco de trás do carro, mas não consegue se afastar do garoto que provocou o acidente que matou o seu filho, em uma tentativa de misericórdia ou de lembrança, já que este se apresenta como a única lembrança viva do filho que não terá mais.

A dor da perda de um filho é um assunto recorrente no cinema, tratado de várias maneiras, como o belo italiano O Quarto do filho ou o visceral Entre Quatro Paredes, de Todd Fields. A narrativa de Rabbit Hole, que foi baseada em uma peça teatral vencedora do Tony, acerta ao se tornar bem equilibrada entre momentos subjetivos e objetivos, ao tentar transpor aos nossos olhos o conflito interno de seu casal principal e as brigas entre eles, na tentativa de achar um culpado.

John Cameron Mitchell, que há alguns anos dirigiu Shortbus, um drama (explícita e esteticamente) erótico, que contava histórias sobre a vida sexual de vários estranhos. Ao olho nu, Shortbus podia soar apenas pornográfico e superficial, mas em uma melhor análise Shortbus, que usa o sexo para falar sobre a solidão nas cidades, e como o sexo fácil pode ser uma válvula de escape. Aparentemente, me surpreende a segurança com que Cameron Mitchell dirige Rabbit Hole, transformando o filme em uma obra bem estruturada e comovente, sem arroubos dramáticos para segurar a atenção. Aliás, ao longo do filme podemos citar cenas memoráveis, como a cena do porão, em que Becca pergunta a mãe:

- Algum dia essa dor vai embora? e Nat (Diane Wiest), responde com uma honestidade cruel: - Não!

Temos ainda a cena do carro, em que Becca presencia a festa de uma família na ida do filho para a faculdade e se dá conta de que ela nunca viverá esse momento, e aos poucos flashes do dia do atropelamento invadem sua mente e a levam a um ataque de choro, tenho que citar a grandiosidade dessa cena e a magnitude da excelente montagem que opta por cortes rápidos mostrando apenas o semblante de pavor e de desespero da mãe, que se move lentamente, servindo como uma luva ao estudo psicológico do momento, já que de fato os momentos mais traumáticos de nossas vidas só conseguimos lembrar através de cortes fragmentados, a cena associada à bela e melancólica trilha sonora, se torna ainda mais triste.

Nicole Kidman, como Rebecca, exerce o melhor trabalho de sua carreira em anos, talvez desde As Horas, louvada pela crítica esse ano, talvez tivesse chances no Oscar se o filme tivesse melhor lançamento e divulgação, mas a injustiça do esquecimento fica por parte do excelente trabalho de Diane Wiest, a eterna coadjuvante de ouro, como a mãe que já passou por isso e que conseguiu se reerguer.

O fato de nunca conhecermos Arthur, não diminui a dor da perda e ao contrário, ainda conseguimos nos reconhecer em sua dor.

Certa vez ouvi um ditado que dizia: “Quando um cônjuge perde o companheiro, ele se torna viúvo, quando um filho perde os pais, se torna órfão, mas quando os pais perdem um filho, isso é tão desumano que ninguém ousou dar um nome”. Esse tema pode ser tratado no cinema milhares de vezes, mas nenhum filme vai conseguir traduzir a dor dessa perda, mas Rabbit Hole é válido pelo exercício. Um dos mais belos filmes do ano.

NOTA: 8,5

Pânico (Scream, 1996)

2011-02-05T19:50:00.000-08:00

Há quem goste de filmes de terror e há quem os odeie, mas os motivos são vários, alguns são violentos demais e outros são ruins demais, alguns simplesmente não conseguem cair na graça do público e outros nem merecem fazê-lo. Afinal, o que qualifica um filme de terror como um bom exemplar?

Um exemplo para ser estudado é o primeiro filme da trilogia Pânico (repare que ainda não dei a minha opinião sobre o filme) que divide opiniões. Pânico foi dirigido por Wes Craven em 1996, que até então havia dirigido As Criaturas atrás das paredes e A hora do Pesadelo e que se estabeleceu de vez como o mestre do terror (dignamente).

Pânico conta a história de Sidney Prescott que ao completar um ano após o assassinato de sua mãe em uma pequena cidade chamada Woodsboro tem que lidar com um serial killer aterrorizando a cidade atrás de jovens estudantes estúpidos e tarados, mas que tem como prato principal a protagonista virgem.

Parece uma sinopse comum vista em dezenas de outros filmes de terror adolescente, não? Mas em Pânico tudo é diferente, o roteiro de Kevin Williamson (Dawnson’s Creek) nos oferece um olhar diferente sobre tudo isso.

Vilões que aumentaram a popularidade do gênero no cinema como Freddy Krueger, Michael Meyers ou Jason Vorhees criaram em seus filmes e em suas sequências as regras dos filmes de terror adolescente, e a partir daí é como um bolo de caixa, é só empacotar e exibir. Bom, isso não funciona com Pânico, já que ao longo da projeção essas regras são escancaradas e todas as cartas são jogadas ao expectador, é como um mágico revelando todos os seus truques de magias, mas é aí que se encontra o sucesso do filme, o roteiro não satisfeito em entregar todas as regras, consegue ainda fazer piada com isso. Com uma narrativa inteligente, o roteiro não nos deixa suspeitar por muito tempo de apenas um personagem, como na cena em que Randy, Stuart e Billy conversam na locadora e ficam se acusando, é como um jogo de ping pong, todos os personagens que estão diretamente envolvidos tem motivos bastante concretos para se tornarem suspeitos e em todo momento o roteiro faz questão de salientar isso, até mesmo a própria protagonista, como na cena em que duas garotas conversam no banheiro acusando Sidney.

De início se trata apenas de um assassino com uma roupa preta, uma máscara de fantasma e uma faca matando, como disse acima jovens estúpidos e tarados, mas a outra grande parte do filme é que ele não se nega. Pânico não quer e nem pretende ser uma obra prima ou um clássico que vai entrar para história, ele mesmo se assume como apenas um filme slasher movie em todos os momentos e não pretende ser mais do que isso.

A verdade é que por mais que o filme tenha as suas irregularidades e seus defeitos, não podemos negar a sua importância para o gênero, já que foi o filme que ressurgiu das cinzas o gênero terror/suspense e que veio a influenciar nos próximos filmes de terror para adolescente como Eu sei o que vocês fizeram no verão passado, Premonição e Lenda Urbana.

Em uma determinada cena um personagem diz: “Tem que haver uma sequência sempre”, influencia dos clássicos do terror que não só tiveram sequência como quase viraram série, ou quando Sidney fala: “A mocinha que ao invés de abrir a porta e sair correndo acaba subindo as escadas”, que vem de Halloween e que mais tarde é usada em Pânico 2, mas talvez o melhor momento é quando Randy estabelece as regras: “Não transe e nunca diga Já volto”. Já que a trilogia toda é marcada por suas cenas de abertura (que foi uma das características que não se perderam), o que dizer do jogo de gato e rato com Casey Cooper, interpretada por uma Drew Barrymore (que desistiu do papel de Sidney com medo que o filme arruinasse sua carreira) aterrorizada? Brilhante.

A diferença de Pânico para esses outros exemplares, é que ele é sarcástico, cômico, criativo, cheio de referências aos clássicos e se assume como um filme feito para a diversão para o público jovem e que usa os clichês de outros filmes que o influenciaram e acaba se tornando uma homenagem ao terror.

Nota: 8,0

As Pontes de Madison (The Bridges of Madison County, 1994)

2011-01-28T10:05:00.000-08:00

As Pontes de Madison é um conto sobre amor, e sobre honestidade, sobre todas coisas que buscamos e as coisas que temos, e como somos obrigados a nos acostumar com elas.

Robert Kincaid, jornalista fotográfico da National Geographic e Francesca Johnson, uma dona de casa do Iowa, não estavam à procura de qualquer reviravolta nas suas vidas. Cada um já tinha chegado a um ponto da vida em que as expectativas pertenciam ao passado. Contudo, quatro dias depois de se conhecerem não querem perder o amor que encontraram. Meryl Streep premiada com Oscares da Academia (foi nomeada pela 10ª vez por esta interpretação) e Clint Eastwood (que produziu e realizou o filme) encantam com uma brilhante e poderosa interpretação dos personagens criados pelo escritor Robert James Waller neste best-seller de amor, decisões e consequências. O Entertainment Weekly afirma: "Streep e Eastwood, tanto em imagem como em espírito, estão tão perfeitos que parecem sair das páginas do livro". Também perfeitos estão os pequenos detalhes e as grandes emoções do grande amor de uma vida. Com sorte, mais cedo ou mais tarde, um amor destes acontece na vida de cada um. Para Robert e Francesca foi tarde. Mas foi glorioso.

Francesca tem uma sinceridade dolorosa sobre a vida, é uma mulher que busca inconscientemente pelo novo, pelo especial, aquilo que a faça tremer, mas que já está acostumada com o convencional e comum, uma espécie de rendição própria, mas todos os seus sonhos e desejos vêm na figura desse homem fotógrafo e forasteiro que a faz sentir viva de novo, mas como ela já está tão acostumada a se render e entregar seus sonhos ao passado é exatamente isso que ela faz, ou pelo menos tenta fazer.

As Pontes de Madison que recentemente foi adaptado para o teatro cativa pela simplicidade em sua essência, que pode ser a palavra chave para melhor descrever a obra adaptada do romance de Robert J. Waller, sem jamais ir para o absurdo e exagerado. É sobre duas pessoas que se amam mas são inteligentes o bastante para enxergar os dois lados dessa relação, sem nunca tirar os pés do chão.

Algumas vezes As Pontes de Madison consegue até ser erótico, mas do seu próprio modo, como na cena em que Francesca toma banho na banheira que Robert tinha acabado de usar.

Meryl Streep e Clint Eastwood são competentes ao perceber que a força do filme não está somente em suas performances, mas no roteiro do filme, percebem que Francesca e Robert se apaixonam um pelo outro por motivos opostos, ela se apaixona por ele por ser um forasteiro cheio de histórias e experiências do mundo, e ele se apaixona por ela por ser uma dona de casa comum e triste, eles percebem que se completam.

O fato é que As Pontes de Madison é um dos romances mais honestos da década de 90.

NOTA: 8,5

Dente Canino (Kynodontas, 2010)

2011-01-28T09:52:00.000-08:00

Ultimamente temos acompanhado na TV através de noticiários casos monstruosos sobre atrocidades que alguns pais cometem contra os próprios filhos, como jogar recém-nascido na lata de lixo, ou simplesmente manter a própria filha trancafiada no porão da própria casa e estupra-la diariamente por anos. Esses casos de atrocidades aos poucos vêm sendo representados no cinema de todo mundo, sempre de uma forma polêmica e perturbadora.

Dente canino pode ser considerado um exemplar desse tipo de atrocidade que o ser humano sempre está disposto a fazer em nome do bem próprio, mesmo que isso signifique ferir e torturar o próprio filho. O filme grego de Yorgos Lanthimos, conta a história dos pais que criaram seus três filhos, um menino e duas meninas, sem a interferência ou influência de qualquer outro ser humano além deles, sem influência da Tv, Jornais ou qualquer outro meio de informação, aos poucos no destrinchar da história podemos perceber a deficiência mental causada pelos pais em seus filhos devido à educação destrutiva. Os três filhos cresceram e apesar de já terem se tornado homem e mulheres ainda agem como se fossem crianças que brincam de bonecas e correm pelo quintal de casa.

O filme que recente e supreendentemente foi nomeado ao Oscar 2011 na categoria de Melhor Filme Estrangeiro tem uma carga de violência muito grande, não só física, mas também mental, porque a todo o momento ficamos atordoados e nos sentimos perturbados por presenciar tudo aquilo, que há pouco tempo achávamos de que seria impossível de acontecer. A degradação humana chega a um ponto tão absurdo que as “crianças” acham que um simples gato pode se tornar uma ameaça mortal para toda a família como se fosse uma fera sedenta por sangue, já que assim avisou o pai deles, e por causa disso o “menino” acabou cortando a cabeça de um pobre animal com uma tesoura de podar. Em outro momento, o “menino” que só mantém relações sexuais com uma estranha que através do pai vai até a casa deles de carro e com os olhos vendados para não reconhecer o caminho, ouve a palavra zumbi e em um impulso de curiosidade pergunta a mãe o que aquilo significa e ela lhe responde que é apenas uma flor amarela. E por aí vai, como na cena em que vemos uma das “meninas” fazendo sexo oral na estranha em troca de um presente qualquer, e aquelas menina acabam acreditando que lamber as outras pessoas é um gesto de agrado e carinho.

Esse tipo de educação absurda e degradante acaba nos fazendo perguntar como poderia ter surgido e como aqueles pais podem ter a coragem de retardar voluntariamente seus próprios filhos, um dos triunfos do roteiro escrito por Yorgos Lanthimos e Efthimis Filippou é que sempre é deixado em aberto de onde aquilo surgiu, podemos perceber sim que aquilo é iniciativa do pai, já que é ele quem sempre tem as rédeas da situação e que sempre faz tudo para aquilo não sair dos trilhos, já que até sua esposa é mantida de “refém” porque acaba partilhando daquela educação, o que nos leva a pensar por algum momento que aquilo não passa de um ato de crueldade, mas isso o roteiro também não define, o que nos faz pensar também que aquilo é uma espécie de crença que o pai tem e que pode tornar seus filhos melhores desse jeito, como se os fins justificassem os meios.

Dente canino é controverso na sua própria controvérsia, não satisfeito de nos fazer presenciar aquela tortura absurda, ainda não nos oferece nenhuma espécie de consequência ou crítica sobre os danos sociais que aquilo tudo teria causado, ou seja, notadamente é um filme sobre ações e não de consequências, a todo o momento percebemos o quão aquela criação dada pelos seus pais foi destrutiva, mas em nenhum momento podemos perceber uma espécie de crítica ou de julgamento pela parte do diretor e do roteiro, aquilo tudo é aceitável sob todos os pontos de vista, o único lado que parecesse ser atacado e chocado com aquela espécie de existência são as pessoas que assistem e que sabem que a educação modelo e correta certamente seria aquela que estamos acostumados a ver, ou seja, a nossa.

Nota: 8,0

Paixão à flor da pele (Wicker Park, 2004)

2010-08-20T12:59:00.000-07:00

Não é muito difícil de acompanharmos hoje em dia refilmagens de clássicos ou filmes não-americanos para a língua inglesa, é menos difícil ainda nos deparar com refilmagens aquém do seu original, mas como toda regra tem sua exceção de vez em quando encontramos algumas refilmagens que merecem ser assistidas, como é o caso de Paixão à flor da pele, novo filme de Paul McGuigan.

Matthew (Josh Hartnett) é um jovem empresário que acredita ter visto em um café a mulher (Diane Kruger) que foi seu grande amor, que desapareceu misteriosamente há dois anos. Ele decide segui-la, descobrindo aonde ela mora. Esta se torna sua rotina durante vários dias, tornando-se uma obsessão para Matthew reencontrá-la. Um dia ele decide invadir o apartamento dela, para poder esperá-la. Porém o que ele não sabe é que a mulher que segue não é exatamente quem ele pensa ser, e que ela sabe exatamente o que está fazendo.

Acompanhamos a refilmagem de O Apartamento (com Mônica Bellucci), através de uma montagem fragmentada, cheia de flashbacks, quase como um quebra cabeças, a edição de Andrew Hulme vai nos entregando certas informações no momento certo sem nunca nos revelar demais, a edição é acompanhada pela competente fotografia de Peter Sova que tem o trabalho de nos entregar as nuances de seus personagens para que os conheçamos melhor, com lindos enquadramentos, por exemplo, quando acompanhamos o olhar triste da personagem de Rose Byrne ao ler um livro, conferindo uma maior beleza estética ao filme.

Acompanhamos uma direção cuidadosa e segura de Paul McGuigan em acompanhar uma história de amor a três (mesmo que estes não saibam) entre algo que passeia do plausível ao extremamente humano.

Aqui temos o interessante trio de atores Josh Hartnett, Diane Kruger e Rose Byrne em performances seguras e corretas, mas com certeza qualquer pessoa que assista Paixão à flor da pele não vai deixar o trabalho que Rose Byrne faz passar despercebido. Acompanhamos Rose Byrne desenvolver sua personagem com competência ao transformar Alex em uma mulher frágil, solitária e apaixonada que pode cometer qualquer e todo erro que qualquer pessoa pode cometer por amor, sem deixar que a julguemos e a enxerguemos como uma vilã vazia, uma mulher solitária e vazia, mas nunca como uma vilã. Byrne é hábil ao compreender a paixão que Alex sente por Matt, e principalmente a atração que ela sente pela beleza de Lisa, uma beleza alegre e viva, a qual ela não tem. Rose Byrne tem aqui um trabalho complexo e difícil ao transformar Alex em uma mulher apaixonada, humana e misteriosa que é obrigada a mudar de comportamento conforme o personag, são várias Alex's em uma só. É a história de uma amor obssessivo, louco e solitário, que causa dependência na busca pelo vazio da alma da personagem, conseguimos perceber isso quando ela pergunta: "Você me ama?", ao personagem que ela acabou de conhecer.

Paixão à flor da pele pode não ser um clássico, mas é uma das poucas refilmagens que valem a pena a ser conferidas, e com certeza pode ser comparada ao seu original, talvez seja até melhor que o mesmo, arrisco dizer.

NOTA: 7,0

Desejos e Traições (The Sisters, 2005)

2009-02-09T06:40:00.000-08:00

Este filme que chegou nas locadoras faz pouco tempo, é aquele tipo de filme que ninguém vê, ninguém sabe que existe, mas são um dos melhores do ano.
Desejos e Traições (The Sisters), baseado em uma peça do dramaturgo russo, Anton Chekov. Desejos e Traições é aquele independente sobre drama familiares, verdades e segredos que permanecem por gerações, e o confronto dos mesmos.
Belo filme, com belo roteiro e belo elenco. Venceu três prêmios no Dixie Film Festival Melhor Filme, Melhor Atriz (Maria Bello) e Melhor Ator (Erick McCormarck - o Will de Will and Grace), indicado ao Casting Society of America de Melhor Elenco de Independente e Seleção Oficial nos festivais de Tribeca e Hollywood. Recomendo.

O Leitor (The Reader, 2009)

2009-02-07T06:49:00.000-08:00

Stephen Daldry é um diretor seletivo. Com apenas três filmes na sua filmografia, mas com três indicações ao Oscar, nos deu de presente um dos melhores filmes da década, o íntimo As Horas, o elogiado e premiado Billy Elliot, e depois de alguns anos de férias, ele volta com o polêmico O Leitor, que recebeu 5 indicações ao Oscar.

A sociedade acredita que é guiada pela moralidade mas isto não é verdade. O premiado diretor de As Horas, Stephen Daldry, mostra novamente toda sua força nesta história de medos e segredos escondidos pelo tempo. Hanna (Kate Winslet) foi uma mulher solitária durante grande parte da vida. Quando se envolve amorosamente com o adolescente Michael (Ralph Finnes)não imagina que um caso de verão irá marcar suas vidas para sempre. Livro com sucesso mundial de vendas, O Leitor é a uma história que nos levará a questionar todas as nossas mais profundas verdades.

O Projeto tão polêmico de Daldry possui níveis já conhecidos para quem acompanha os filmes desse diretor, o filme possui linhas mais voltadas ao íntimo dos seus personagens, está tudo subentendido, muitas nuances, como é característica do diretor, o que pode afetar um pouco o cinéfilo que não conhece suas obras e não entende seu trabalho e achar um filme “difícil”, mas na verdade O Leitor é um filme para ser assistido com vontade e disposição, para entender seus detalhes.

O Roteiro de David Hare, o mesmo roteirista de As Horas, expõe aqui seu talento com sutilezas, compõe um roteiro com uma visão diferente sobre os fatos do Holocausto, menos convencional e sem nunca deixar cair no melodramático, aliás cenas dramáticas em O Leitor faltam.

E como não podia faltar em um filme de Daldry, o seu elenco, que sempre é um ponto positivo a se somar, o trio formado por Fiennes, Winslet e Kross é magnífico. Winslet expõe uma tridimensionalidade maravilhosa de Hanna, é competente ao retratar a acusada como uma mulher forte, orgulhosa e trabalhadora, porém humana e ferida pela vida, com uma racionalidade incrível, a mesma mulher que é capaz de mandar a morta outras mulheres é capaz de chorar ao ver crianças cantando em uma igreja, é um trabalho emocional e interno maravilhoso de uma atriz que só cresce, com uma personagem acima de tudo ambígua. Ralph Fiennes, como sempre brilhante, expondo todo o amor, dúvida e certa raiva que ele sentia pela mulher que o abandonou. David Kross brilha na pele do Michael Berg mais jovem, capaz de expor todo o charme e inocência do seu personagem, acompanha dignamente todas as fases do seu personagem, amadurecendo-o, crescendo-o, vivendo-o. Mas, a grande surpresa de The Reader, se localiza na performance forte de terminada de Lena Olin, atriz que andava sumida, e que voltou com tudo, numa performance maravilhosa, que expõe sua Sr. Mather com a força e frieza que a dor lhe causou, e que personagem precisava.

O fato é que O Leitor, é mais um filme digno e competente de um diretor que cumpre o que promete a cada novo trabalho. Merecedor de cada indicação ao prêmio Oscar que recebeu e merecedor de elogios. O Leitor é mais um filme sobre as verdades que mantemos escondidas e sobre os momentos em que o passado insiste em voltar para nos assombrar, e o medo que temos dele.

NOTA: 8,0

Dúvida (Doubt, 2009)

2009-02-05T06:29:00.000-08:00

O filme de John Patrick Shanley levanta uma questão muito importante sobre a Igreja Católica e a sua reação diante de casos tão polêmicos como a pedifilia, assunto hoje tão destacado e comentado na Tv, em casos assustadores.

A história é ambientada no ano de 1964, em uma escola católica no Bronx (Nova York), onde a diretora (Meryl Streep) é uma dura freira que acusa publicamente de pedofilia um padre popular (Philip Seymour Hoffman). O filme aborda as questões de religião, autoridade e moralidade.

O caso do filme é muito peculiar, no primeiro ato o mesmo tem sua maestria, um roteiro intrigante e intrínseco e que nos questiona, nos envolve e define muito bem as características de seus personagens, mas no segundo e principalmente no último ato essa maestria se perde no seu emaranhado. O que estava implícito e subentendido com tamanha inteligência na primeira hora, se perde ao longo da projeção.

O Diretor conseguiu um grande elenco, mas o sentimento que fica ao término do filme é de que foi aquém, poderia ter sido mais. O Grande destaque e a verdadeira alma do filme é a performance de Amy Adams que compõe sua irmã James com extrema clareza e cuidado, sem deixar que se torne mais uma personagem incocente e sem importância para trama, sua presença está toda hora lá, com incríveis nuances. Philip Seymour Hoffman sempre competente expõe uma bondade e uma dualidade ao seu personagem que soa incrível, um bom equilíbrio do ator no qual o roteiro se apoia. Meryl Streep, é assustadora, mas assim como o roteiro nos deixa a sensação de que poderia ter sido mais, sua performance é quase um piloto automático, nem se parece com as competentes performances de As Horas e As Pontes de Madison. Viola Davis é um ponto positivo a somar.

Infelizmente, Doubt é aquele trágico tipo de filme que pára pela metade, dependendo de uma direção confusa e indecisa, um John Patrick Shanley perdido com a faca e o queijo na mão, porém cego demais para saber cortar.

NOTA: 6,0

Grey's Anatomy e Brothers And Sisters

2009-02-02T04:41:00.000-08:00

Recentemente, comecei a acompanhar algumas séries muito interessantes.

Sempre fui muito apaixonado por F.R.I.E.N.D.S, e Will e Grace, mas recentemente comecei a assistir Grey's Anatomy e Brothers And Sisters, e o resultado foi o melhor possível.

Grey's Anatomy, acompanha um turma de médicos que vão fazer residência no hospital de Seattle Grace, dentre eles Meredith Grey (Ellen Pompeo), filha de uma grande médica reconhecida no país que agora sofre de Mal de Azhaimer, Izzie Stevens (Katherine Heigl), ex-modelo que agora é médica e sofre com o preconceito, George O'Malley (T.R. Knight) um médico jovem e atrapalhado, e Christina Yang (Sandra Oh), uma médica forte e que não leva desaforo pra casa. Todos esses jovens médicos vão lidar com as dificuldades de início de carreira e com o amadurecimento pessoal e profissional. As vezes, Grey's Anatomy se torna uma série bastante lugar comum, mas sempre continua interessante, em seus casos médicos.

Brothers And Sisters, é uma série de drama familiar, depois da morte do patriarca da família, segredos e verdades virão a tona e confrontarão uma família inteira, estrelada por atores renomados como Sally Field, Calista Flockhart e Rachel Griffiths, é a série que mais me interessa ultimamente, recentemente acabei de assistir a 1ª temporada e já estou engatando a 2ª. O elenco além de ser fenomenal, a série trata os dramas familiares do Walkers com bastante inteligência e dignidade.

2009-01-19T06:57:00.000-08:00

Dia 18 de Janeiro saíram os indicados ao Blog de Ouro 2009, premiação da Sociedade Brasileira de Cinéfilos Blogueiros que eu entrei recentemente.

Aqui vou fazer uma análise da lista, de alguns indicados, as belas surpresas e as más surpresas.

1. Melhor Filme

Como era de ser esperar os franco favoritos Onde os fracos não têm vez, Sangue Negro e O Cavaleiro das Trevas figuraram entre os indicados. Desejo e Reparação foi uma bela surpresa. O que não me agrada é a ideia de ver uma animação concorrendo na categoria principal, para isso existe sua própria categoria, por mais brilhante que ela seja, como é o caso de Wall*e.

2. Melhor Direção

Na categoria de melhor direção, nada mais do que o esperado, mas muito bem formulada.

3. Melhor Atriz

Ótimas surpresas, Anamaria Marinca e Julianne Moore entre as indicadas. Ótimo. Laura Linney numa performance super inspirada por A Família Savage também foi lembrada. Ellen Page e Julie Christie já eram de esperar.

4. Melhor Ator

Philip Seymour Hoffman justamente lembrado pelo seu desempenho em Antes que o diabo saiba que você está morto, foi uma ótima surpresa. Jhonny Depp infelizmente, assim como no Oscar, foi lembrado pelo desempenho pífio e banal por Sweeney Todd - O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet.

5. Melhor Roteiro Adaptado

Entre os indicados nenhuma surpresa, os belos roteiros de Sangue Negro, Onde os fracos não têm vez, Na Natureza Selvagem, Desejo e Reparação e O Escafândro e a Borboleta foram lembrados. Apesar de minha torcida sempre ficar com Desejo e Reparação.

6. Roteiro Original

Ainda não vi Queime depois de ler, espero com ansiedade. Ver Vicky Cristina Barcelona entre os indicados foi ótimo, aliás vou torcer para o mesmo, um grande novo filme de Woody Allen. Antes que o diabo saiba que você está morto tamém é uma ótima surpresa. Como todos sabem não sou o maior fã de Juno, e vê-lo indicado, é uma das minhas poucas decepcões.

O Tempo de cada um (Personal Velocity, 2002)

2009-01-10T06:15:00.000-08:00

Quantas vezes você se perguntou, “O que move a minha vida?”, e não obteve resposta alguma?
Quantas vezes você se perguntou como seria sua vida se tivesse feito escolhas diferentes, ou ter arriscado mais?
O cinema moderno ultimamente vem estudando o motivo pelo qual somos quem somos, provas disso podemos ver em filmes como As Horas, Coisas que você pode dizer só de olhar para ela, Questão de vida, e filmes na sua maioria com temática feminina.
O mestre Ingmar Bergman já estudava a alma feminina em seus filmes, Woody Allen fez um belo estudo em Interiores, e hoje, temos seus seguidores, como Rodrigo Garcia e por vez, Rebecca Miller.

Três mulheres que, em crise, buscam encontrar algum sentido em sua vida e dar a volta por cima. Uma delas é Delia (Kyra Sedgwick), que sofre constantes agressões do marido mas não o abandona por ainda amá-lo. Greta (Parker Posey) é uma editora de livros de culinária que é convidada para editar o novo livro de Thavi Matola (Joel de la Fuente), um dos principais escritores da atualidade. Paula (Fairuza Balk) é uma jovem que, após quase ter morrido, se sente desorientada em relação ao mundo e ao bebê que carrega em seu ventre.

Kyra Sedqwick, que interpreta Delia, expõe uma grande força em cena, compõe uma personagem explosiva, porém com um brilho inocente no olhar, de mulher sofrida, é uma performance inteligente, bem trabalhada. Ao conhecermos Delia, vemos uma mulher forte, determinada e com um temperamento forte, porém Kyra faz muito mais do que isso, imprime em sua personagem algo único, melancólico e sofrido, verdadeiro. Parker Posey, na performance mais incrível de sua carreira, trabalha sutilmente com todas as nuances de sua personagem, acompanha cada fase, desde a culpa por não amar verdadeiramente o seu doce marido até o leve toque de ambição que herdou do seu pai, a forma que reage ao ser promovida. É um personagem bem escrito e bem interpretado. Mas, o grande destaque do filme é a comovente performance de Fairuza Balk, que interpreta a confusa Paula, em uma performance cheia de detalhes, em uma história aberta para todos os tipos de interpretação, até o espiritual. Sua história é sobre a chegada do amadurecimento, sobre as escolhas que fazemos (ou quase fazemos) que pode podemos nos arrepender para o resto de nossas vidas, mas ás vezes algo acontece no meio do caminho para nos socorrer, quando nem nós sabemos que estamos precisando de ajuda.

O roteiro é simples, a princípio o filme pode parecer comum, mas a competência de Rebecca Miller logo tira essa impressão. Tudo ali é tratado com humanidade, desde o roteiro até a trilha sonora de David Rohatyn, e a fotografia, que foi premiada no Independet Spirit.

O filme de estréia de Rebecca Miller saiu ovacionado e premiado de Sundance, e levanta questões simples e muito interessantes, nos faz questionar sobre a pessoa que está mais distante de nós: nós mesmos.

O que move a sua vida?

NOTA: 9,0

Eu, você e todo mundo (Me and you, and everyone we know, 2005)

2008-11-02T11:53:00.000-08:00

De vez em quando surgem filmes independentes (ou não) que nos fazem pensar, que nos fazem analisar, e é maravilhoso quando isso acontece, porque é um sinal de que o filme nos tocou de alguma forma, e pra mim, o grande proporcionador disso tudo, é o cinema independente. É impressionante como com tão pouco, ele consegue fazer tanto.

Christine Jesperson é uma artista solitária que usa as suas visões artísticas fantásticas para atrair as suas aspirações e os seus objectos de desejo para mais perto de si. Richard Swersey (John Hawkes), um recém-divorciado e pai de dois rapazes, está preparado para acontecerem coisas extraordinárias. Mas quando conhece a cativante Christine, entra em pânico. A vida não é tão clara para Robby, o filho de 7 anos de Richard, que está a viver um romance na internet com uma estranha e o seu irmão de 14 anos, Peter, que se transforma na cobaia das raparigas da vizinhança que com ele praticam para os seus futuros romances e casamentos. Todos procuram laços através de caminhos difíceis e encontram redenção em pequenos momentos que os ligam a alguém na terra.

Eu, você e todos nós nada mais é do que um filme sobre a vida, sobre o ser humano, contando nosso cotidiano e como tudo é banal e normal. As vezes algo acontece e nos leva a pensar que só acontece com a gente, mas isso é perfeitamente normal. Um roteiro precioso e cativante, muito humano. Chega quaser indescritível, de tão subjetivo. O cinema subjetivo é fantástico, porque permite várias interpretações, e da forma como você o vê. É triste, é alegre, difícil, é fácil, é complexo, é simples, é tudo isso. E quando um diretor e roteirista chegam a esse ponto, nada mais que normal do que ovacioná-los por extrema simplicidade. Em algum momento do filme, o personagem interpretado por um garoto de 12 anos (mais ou menos), imprime o que seria apenas um monte de sinal de pontuação, mas na interpratação dele significava toda uma sociedade, andando, deitada, parada. É a prova de como Miranda July queria que interpretássemos seu filme, de forma ampla.

A diretora que ganhou 4 prêmios em Cannes pelo filme, Miranda July, sobre regular aqui, a comédia, o drama, a solidão, o sexo, de forma linda, poética e acima de tudo, humana. Uma câmera na mão, meia duzia de atores desconhecidos e ela fez um dos melhores filmes do ano.

No elenco, não tem nenhuma performance destacável, mas todos fazem o trabalho de forma homogênea e natural, como deve ser. A simplicidade é o objetivo.

A trilha sonora é um espetáculo a parte, triste, que varia conforme os sentimentos de seus personagens.

Eu, você e todos nós, é um belo exemplo do cinema independente subjetivista e recomendável àquelas que não querem mais do mesmo. Poderoso.

NOTA: 9,5

As 10 personagens mais interessantes do cinema

2008-10-15T12:01:00.000-07:00

1. Enid de Ghost World - Aprendendo a viver

Cabelo colorido, roupinhas estranhas e uma adolescente cheia de gênio, raiva e críticas para dar e vender, transformam e deixam mais humana a personagem interpretada (competentemente) por Thora Birch em Aprendendo a viver. Enid nada mais é do que uma xerox de todos os sentimentos de todos adolescentes em fase amadurecimento e a eterna pergunta: Quando isso vai acabar?.

2. Gelsomina de A Estrada da vida

Alguém nesse mundo pode representar a bondade em forma de ser humano? Esse alguém é Gelsomina intepretada por Guilietta Masina em A Estrada da vida, a mulher exibia uma tristeza e uma presença com um olhar, capaz de levá-lo aos prantos ou as gargalhadas, com um piscar de olhos (literalmente). O olhar mais forte que eu já tive a honra de presenciar. Viva are da pantomima.

3. Laura Brown de As Horas

A mulher que exala dor e tristeza, a mulher que teve a coragem de abandonar a própria família para ir em busca de si mesma, a mulher que voltou na velhice quando o filho morreu, a mulher que pode ser chamada de vítima. Vítima de quem? Ou de que? Vítima da vida. A mulher que teve a coragem de fazer o que todos nós não temos, a mulher que arriscou todas as suas fichas em algo que nem conhecia, o resultado não importa, o que importa é que ela teve mais coragem.

4. Jim Kurring de Magnólia

O personagem mais sensato e centrado desse turbiçhão de personagens, o policial interpretado pelo sempre ótimo John C. Reilly é o único personagem que parece ter os pés no chão e age com extrema racionalidade, e sabe como ninguém entender outro ser humano e perdoá-lo, coisa que as vezes nem nós mesmos conseguimos fazer.

5. Achim de Tempestade de verão

O jovem que num acampamento de verão numa competição de remadores, descobre que está apaixonado, e não é por uma garota, é pelo melhor amigo de infância, apartir daí desencadeiam milhões de sentimentos de descobertas como uma verdadeira tempestade que ele tem que enfrentar. A descoberta da homossexualidade e a chegada do amadurecimento são contornados com cores e imagens tristes, sobre a dor de descobrir quem você realmente é, e a forma como seguir em frente, sem ter ideia do que fazer.

6. Clementine kruczynski

Forte, impulsiva, extrevagante, egocêntrica, são umas das qualidades que podem resumir Clementine kruczynski, que tem amo incondicional pela vida, desesperada para viver bons momentos, conhecer novas pessoas e viver diferente situações, o cabelo camaleônico, a jaqueta laranja são apenas pequenos motivos para a moça fugir da sua insegurança e de seus medos. Na verdade, todas essas coisas que caracterizam Clementine e que a torna diferente das outras pessoas é só uma forma de canalizar toda a sua insegurança, ela acha que com roupas coloridas e seu jeito impulsivo de ser as pessoas não vão enxergar o quanto ela é insegura e medrosa.

7. Greta de O Tempo de cada um

Greta, interpretada por Parker Posey, é uma mulher ambiciosa porém se culpa por isso, casada com um homem calmo, pacífico e que não tem ambição nenhuma na vida, a personagem o usa como uma válvula de escape para os seus demônios interiores, ela acha que casada com um homem diferente dela vai neutralizar a sua ambição pela vida, e vai impossibilitá-la de ser como o seu pai, mas quando a moça é promovida na editora que trabalha e começa a ter sucesso, sua personalidade forte vem a tona, e percebe que não pode ficar casada com alguém que não tem os mesmos sonhos que ela.

8. Sue Lynne de Um beijo roubado

Rachel Weisz faz uma pequena, porém inesquecível participação nesse filme de Wong Kar Wai como a triste e amarga Sue lynne, mulher de um policial bêbado. Os dois simplesmente se odeiam (será?), ele chega a apontar uma arma para a moça por não aceitar a separação, ela o maltrata de todas as formas, mas quando o destino acaba "levando" seu marido, a moça fica em prantos, e descobre o quanto realmente o amava. Os dois personagens extremamente bem defendidos por seus atores roubam as cenas em que aparecem. É incrível ver o quanto as pessoas podem odiar e se amar ao mesmo tempo.

9. Brione Tallis de Desejo e Reparação

A personagem do livro Reparação que foi recentemente adaptado para as telonas pelo diretor Joe Wright, é o centro de um grande engano que arruinou duas vidas, a personagem além de ter uma forte cargar dramática é dividida em três momentos, ecomo a culpa, dor e arrependimento afetaram a moça desde a infância até a velhice, foi interpretada por três atrizes diferentes (Saoirse Ronan, Romola Garai e Vanessa Redgrave, respectivamente). Uma personagem interessante de se estudar e ver como pequenos momentos da vida podem afetar vidas inteiras.

10. Alice Ayres de Closer - Perto Demais

A personagem interpretada pela indicada ao Oscar Natalie Portman é o arco forte do filme, cruzando com outros três personagens, a sua se destava pela ousadia, determinação e forte sensualidade, a personagem que conta com uma mistura competente de beleza e inteligência.

2008-10-01T16:44:00.000-07:00

É com muita alegria e satisfação que damos continuidade a este genial prêmio que reconhece o nosso valor como blogueiros. O Sobre Cinema e Lobos agradece imensamente o amigo Kauê do excepcional cinefilnado, que nos indicou ao Dardos. Indicaremos alguns blogs que mais visitamos por apresentarem os melhores conteúdos. É provável que eu repita algum blog já indicado, mas vamos lá:

Madaboutmovies, Cine-fiction, Cinefilando, Papo de infância e bloganimazonando...

*Com meu smoke e minha gravata azul e com minha voz elegante, agradeço o prêmio à lá Hitchcock*: Thank you".

2008-09-27T08:25:00.000-07:00

Créditos iniciais: Come here – Kath Bloom
Acordando: Don´t let me get me - Pink
Primeiro dia de aula: Falling Down – Scareltt Johansson
Se apaixonando: Good Woman – Cat Power
Música da briga: Flames – The Vast
Terminando tudo: Here without you – Three Doors Down
Aproveitando a vida: Running – Nou Doubt
Formatura: Encontros e Despedidas – Maria Rita
Caindo aos pedaços: I found a reason – Cat Power
Dirigindo: I´ll Love till the end – The Pogues
Flashback: Unchained Melody – Righteous Brothers
Reatando o namoro: The Greatest – Cat Power
Casamento: Delicate – Damien Rice
A véspera da Guerra: The Poet Acts – Philip Glass
Batalha Final: Nara – E.S. Posthumus
Momento de Triunfo: Come on – Bem Jelen
Cena da morte: Pan´s Labyrinth – Pan´s Labyrinth
Créditos Finais: Personal Velocity – Michael Rohartyn

As 10 mais feias de Hollywood (Não aconselhável para pessoas cardíacas)

2008-09-21T07:02:00.000-07:00

10. Pamela Anderson não podia faltar na lista das aberrações da natureza

9. America Ferrera, a feia mais feia, direto da TV para o cinema, depois pro cemitério

8. Kirsten Dunst e sua cara de sonsa

7. Katie Holmes e sua cara de placenta comida

6. Christina Ricci e sua cara de feia desesperada querendo ser sexy

5. Sandra Oh e sua cara de oriental psicótica

4. Samantha Morton e sua cara de palito de fósforo

3. Heather Matarazzo e sua cara de desprezo por nunca oferecerem papel principal

2. Shelley Duvall e sua cara de "meu Deus, isso é um machado?"

1. Renée Zellweger e sua inconfundível cara de quem acabou de acordar depois de uma noitada de vitamina de silicone

As mais belas mulheres do planeta

2008-09-18T07:31:00.000-07:00

10. Mary Louise Parker, estrela da série Weeds, vencedora do Globo de Ouro, e estrela do Tele - Filme Angels in America.

9. Naomi Watts, uma indicação ao Oscar, estrela de Senhores do Crime, 21 Gramas e Ellie Parker.

8. Julianne Moore, uma das atrizes mais simpáticas e badaladas do cinema.

7. Parker Posey, estrela da figura independentes, de filmes como Broken English, Party Girl e O Tempo de Cada um.

6. Kate Winslet, indicada 5 Oscars, estrela de Titanic e Brilho Eterno de uma mente sem lembranças.

5. Jennifer Connelly, vencedora do Oscar, estrela de Uma mente brilhante, Pecados Íntimos e Diamante de Sangue.

4. Emily Blunt, britânica estrela de filmes como O Diabo veste Prada e Meu amor de verão e do recente The Young Victória.

3. Amy Adams, estrela do independente Retratos de Família e do filme da Disney, Encantada.

2. Rose Byrne, estrela do europeu A Deusa de 1967, pelo qual levou o Volpi Cup no Festival de Veneza e da série Damages.

1. Alicja Bachleda-Curus, estrela do filme alemão Tempestade de verão e do filme americano Desaparecidas, com Kevin Kline.

Fim de caso (The End of the Affair, 1999)

2008-07-22T16:52:00.001-07:00

De vez em quando surgem filmes de romance que nos conquistam, mas existem duas formas de fazer um filme de romance para conquistar o público: 1) Usar de voltas e revoltas na narrativa para fazer o público se emocionar, como Diário de uma Paixão, Titanic e tantos outros. 2) Usar a simplicidade de contar uma história triste, de amor, como As Pontes de Madison, Antes do Amanhecer e Fim de caso.

Numa noite chuvosa de 1946, o novelista Maurice Bendrix (Ralph Fiennes) encontra Henry Miles (Stephen Rea), marido de sua ex-amante Sarah (Julianne Moore). Maurice e Sarah tiveram um tórrido caso dois anos antes, até que, sem qualquer explicação, Sarah terminou o romance. O encontro com Henry reacende a obsessão de Maurice por Sarah, num misto de ciúme e desejo em reencontrá-la. Para tanto, começa uma investigação, para poder entender o porquê do rompimento do romance entre os dois.

Ao usar truques de narrativa interessante o roteirista e diretor do filme Neil Jordan, conquista o público mesmo é com a simplicidade da história, é apenas uma história triste de amor impossível, é um filme sobre ódio, culpa, dor, e principalmente, escolhas. Poucos filmes emocionaram tanto quando esse, a veracidade dos diálogos jamais soam como algo falso, superficial. Neil Jordan trabalha com montagem não-linear, opta por uma ordem não cronológica, e usa truques que outros filmes já usaram, o de ver a mesma cena várias vezes mudando apenas o ponto de vista, de acordo com cada personagem, truque já usado em Elefante, e no recente Desejo e Reparação, montagem muito peculiar essa.

Sobre o elenco, Julianne Moore, como sempre competente, exerce uma personagem amargurada e ao mesmo tempo corajosa, correndo desesperada atrás de sua felicidade, passeando por vários sentimentos como medo, amor, dúvida, é sempre bom ver o trabalho minimalista dessa atriz, que a cada trabalho muda, ela não engorda ou emagrace, mas muda, a forma de andar, a voz (é impressionante o trabalho de voz de Julianne Moore), não é a toa que tem o reconhecimento que tem, é porque merece. Agora chegando ao ponto surpreendente do elenco, Ralph Fiennes, contracenando ao lado de Moore, mas não é ela quem chama a atenção, é Fiennes, estabelecendo Maurice como um sujeito dúbio, em certo momento do filme ele pede á Sarah: “Por favor, não vá”, até então o personagem não sabe que ao ir embora, Sarah o estará deixando para sempre, mas Fiennes estabelece um jogo dúbio com o expectador, falando como se já soubesse que provavelmente não veria mais sua amante. É bom quando o ator estabelece esse jogo de ambigüidade ao expectador, permitindo várias interpretações daquilo, e ao dizer “Por favor, não vá”, poucas vezes vimos tamanho desespero e amor sem o ator sequer piscar os olhos, acredito que só vi esse tipo de cena uma vez, em Sleepers – Vingança Adormecida, quando Dustin Hoffman ameaça outro personagem sem sequer olhar para ele. Tenho certeza de que se Ralph Fiennes fosse indicado ao Oscar, essa seria sua cena exibida, e com méritos. Por último, Stephen Rea, competente no que lhe é proporcionado, apesar de seu personagem não ser bem desenvolvido pelo roteiro e não ter a importância que merecia e podia, ele se sai bem como o desiludido Henry Miles.

A trilha de de Michael Nyman, o mesmo do ótimo O piano, é excelente, comovente e triste. A fotográfica é ótima, desde as cenas de bombas perto do apartamento de Maurice aos enquadramentos de quando os dois estão junto, quando Maurice e Sarah se beijam na chuva.

Só tem uma palavra que pode resumir Fim de caso: antológico. Daqui a 10 ou 20 anos, quando se falar em filmes de romance, não só As Pontes de Madison ou Antes do Amanhecer serão citados, mas Fim de Caso também estará nessa lista. Um filme inesquecível.

NOTA: 7,5

Ghost World - Aprendendo a viver (Ghost World, 2001)

2008-07-20T06:19:00.000-07:00

Todos nós na adolescência passamos pela fase cão, a fase de rebeldia, de raiva, com os nervos (e hormônios) em ebulição que achamos que somos do mundo, podemos transformá-lo em lugar melhor (ou pior), começamos a julgar as pessoas como queremos. Passamos por essa fase, não? Em Ghost World somos apresentados a icônica e inesquecível Enid.

Enid (Thora Birch) e Rebecca (Scarlett Johansson) são duas adolescentes recém-saídas do segundo grau que começam a enfrentar as incertezas da existência. Planejam um futuro, cheio de possibilidades, em que serão sempre amigas, mas logo percebem que a realidade da vida adulta é bem diferente do que imaginavam. Rebecca trabalha em um café, recebendo um salário baixo que ela espera que um dia vá ajudá-la a pagar o aluguel de um sonhado apartamento. Enid por sua vez frustra-se em seu curso de artes, no qual é esnobada por uma professora arrogante e por colegas pretensiosos. Mas é nesse ambiente que conhece Josh (Brad Renfro), um rapaz diferente que ela considera "a única pessoa decente no mundo".

Ghost World nada mais é, do que um filme que fala sobre a chegada da maturidade e as experiências que passamos para chegar até lá. Baseado de uma HQ, o filme tem roteiro de Terry Zwigoff, que é muito bem escrito por sinal, acompanhamos as aventuras e desventuras de uma personagem nada convencional, à medida que a projeção avança a qualidade só aumenta conforme a maturidade de Enid acompanhamos sua guerra com o resto do mundo, o seu mau humor, de forma interessante, é dramático, é cômico, é a vida de Enid no centro de tudo, e sua busca desesperada por algum sentido em sua vida. Um roteiro que passeia entre o drama, a comédia e o anti-convencionalismo. Com personagens maravilhosos.

A melhor parte ainda está por vir, a performance de Thora Birch, ainda na década de 90 ela foi revelada no clássico da Disney, Abracadabra, Ghost World se torna o seu triunfo, o filme pelo qual concorreu ao Globo de Ouro de Atriz Comédia/Musical e ganhou o Acting Prize no Festival de Deauville, ela compõe um Enid inesquecível, que depreza, maltrata e é capaz de conquistar seu público, suas peculiaridades como o cabelo verde, a forma como se veste, a forma como anda, como se nada no mundo importasse e como se desprezasse qualquer coisa capaz de se movimentar, falar ou respirar, é a terceira guerra mundial, Enid VS. Mundo, um trabalho inspirado de uma atriz injustamente esquecida. Scarlett Johansson apesar de estar regularmente boa, se deixa ofusca pelo excelente desempenho trabalho de sua colega, mas sua personagem não tem tanto desenvolvimento ou carga dramática para revelá-la. Steve Buscemi faz o elo “mais velho” do filme, criando um sujeito quase que bobalhão capaz de se apaixonar por uma jovem que deu mais atenção a sua coleção de LP´S antigos.

Portanto, esqueçam a baboseira lançada em 2008 que virou moda, Juno, Ghost World é o que há, é o filme sobre adolescência e maturidade, e a perigosa conseqüência que essa mistura pode causar.

NOTA: 7,5

Elefante (Elephant, 2003)

2008-03-04T06:36:00.001-08:00

Dirigido pelo comentado e polêmico diretor Gus Van Sant, Elefante não é um filme de fácil digestão, não é um filme fácil de assistido e compreendido. Taxado de chato, monótono até mesmo prepotente o filme é aquele tipo: ame-o ou odeio-o. Escolha o seu lado.

Um dia aparentemente comum na vida de um grupo de adolescentes, todos estudantes de uma escola secundária de Portland, no estado de Oregon, interior dos Estados Unidos. Enquanto a maior parte está engajada em atividades cotidianas, dois alunos esperam, em casa, a chegada de uma metralhadora semi-automática, com altíssima precisão e poder de fogo. Munidos de um arsenal de outras armas que vinham colecionando, os dois partem para a escola, onde serão protagonistas de uma grande tragédia.

Gus Van Sant tem aqui o estudo do adolescente, objeto que ele adora retratar em seus filmes, visto em Últimos Dias, Gênio Indomável e no recente Paranoid Park. Ele trata de um assunto polêmico nos EUA, mas jamais ele coloca a chacina de Columbine High School em primeiro plano, aliás a chacina é apenas coadjuvante (talvez seja por isso o fato de muitas pessoas odiarem o filme), ele quer estudar o adolescente em sua natureza, narrando o que parecia ser um dia normal num ordinário colégio público com alunos namorando, paquerando, conversando, rindo, fazendo trabalhos e etc; e de fato, ninguém do elenco é ator, são apenas alunos normais e muitas conversas ali (como a do refeitório) não são cenas criadas, são cenas verdadeiras, tudo isso acontece antes da terrível tragédia.

Mas o destaque do filme é a montagem não-linear que Van Sant emprega com muita competência durante a projeção, podemos ver determinada cena várias vezes, mas de diferentes pontos de vista, de diferentes ângulos e formas, mas o incrível que é o filme todo foi feito em plano-sequência (planos sem cortes), dando um trabalho imenso a equipe técnica, de enquadramento e aos atores, de posição. Os planos-sequência, só por eles já garantem a genialidade do filme, somados a trilha sonora de Beethoven, tudo soa mais poético.

O filme é de direção, ninguém ali tem tanto destaque quanto Gus Van Sant, por ser ousado e competente na premissa. Ele quer justificar o que leva dois adolescente a entrar numa escola e matar amigos e professores, está tudo ali, a violência gratuita (como a cena em que ele filma insistentemente um jogo de videogame violento ou na cena em que eles recebem sua primeira arma em casa), o sexo, o esteriótipo do adolescente, para alguns essas cenas soam descartáveis, mas são completamente relevantes ao filme, como justificativa, mas o maior disso se deve ao distúrbio mental dos dois, por serem alunos esquecidos, sem amigos e com transtornos psicóticos. Van Sant acompanha sempre seus atores por trás, como se ele quisesse nos colocar no lugar de expectadores (o que somos), como se estivéssemos expiando aquelas pessoas, sempre. Tudo em Elefante, é bem criado, montado e elaborado, até mesmo uma cena do enquadramento do céu por alguns segundos, como metáfora, indicando que tudo ali vai piorar, assim como o céu que está escurecendo.

Desde o título do filme, Elefante, se torna um filme anti-convencional, rompendo com o tradicionalismo de narrativa. Na verdade, o nome se dá por causa de um provérbio chinês, em que vários cegos tocam em um elefante dentro de uma sala, todos descrevem a parte em que estão tocando, mas são incapazes de descrever o elefante em um todo. É como na escola, você vive com os seus amigos, colegas, professoras durante um ano inteiro, conhece alguns, mas jamais vai descobrir quem essas pessoas realmente são.

NOTA: 8,0

Notas sobre um escândalo (Notes on a scandal, 2006)

2007-08-28T13:29:00.000-07:00

O ano de 2006 realmente foi um ano de filmes ótimos, um período muito produtivo. Tivemos filmes excelentes, como A Rainha, Os Infiltrados, Pequena Miss Sunshine, O Ilusionista, Pecados Íntimos, tivemos até obra prima, como O Labirinto do Fauno, e ainda tivemos o ótimo Notas sobre um escândalo.

Quando Sheba Hart (Cate Blanchett) começa a trabalhar na escola St. George como a nova professora de arte, sua colega de trabalho Barbara (Judi Dench) sente que há algo errado nisso. Sheba inicia um romance com um de seus alunos – o que é terminantemente proibido na instituição - e Barbara se torna a maior guardiã desse segredo.

Com um roteiro adaptado do livro de Zoe Heller por Patrick Marber (mesmo roteirista do elogiado Closer), Notas sobre um escândalo possue suas falhas, um final muito ordinário, algumas vezes foge da natureza do personagem, demonstrando alguma insegurança, mas o que vale mesmo é o seu conteúdo intimista e moralista.

O diretor Richard Eyre (do ótimo Íris) fez um trabalho bastante regular, se concentrando no seu grande e único triunfo, Blanchett e Dench. Transformando o personagem de Bill Nighy em alguém unidimensional, sem grande importância, mesmo quando ele deveria ser um dos mais importantes. Richard Eyre nunca foi um grande diretor, apenas sabe tirar performances memoráveis de seus atores.

O filme, é óbvio, ficou muito marcado por ter o embate de duas grande atrizes da atualidade. E as duas não decepcionam nem de longe. Cate Blanchett esbanja sensualidade, charme e beleza com seus cabelos incrivelmente claros. Judi Dench, minunciosamente, passeia por sentimentos como paixão, deboche, sarcasmo, e até ciúmes, claramente ela faz uma alusão ao esteriótipo de bruxa que temos, uma velha amarga, feia, cheia de rugas, e com uma voz assustadora. É isso que Dench faz, e é esse o ponto crucial de sua performance, ela explicita sua velhice, e com uma entonação de voz de dar inveja a qualquer ator, ouvir ela dizer "She´s the one I´ve waited for" ou "I always knew we be friends" é como música.

A Trilha sonora do ótimo compositor Philip Glass, que criou trilhas memoráveis para As Horas ou O Show de Truman. também é maravilhosa, as músicas são marcantes.

Resumindo, Notas sobre um escândalo é um filme memorável, mais por parte de seus competente elenco, e não por seu diretor ou roteiro.

NOTA 7,5

Questão de vida (Nine Lives, 2005)

2007-08-18T12:46:00.000-07:00

O Novo filme do diretor Rodrigo Garcia que ganhou o Leopardo de Ouro e o Leopardo de Bronze de Melhor Atriz (para todas as mulheres do elenco) no Festival de Locarno é um drama independente sobre medos e inseguranças.

Nove episódios independentes que retratam momentos cruciais na vida de suas protagonistas. A presidiária Sandra (Elpidia Carrillo) sonha em voltar a falar com o filho; Diana (Robin Wright Penn) reencontra um antigo amor; Holly (Lisa Gay Hamilton) deseja se vingar de seu padrasto; Samantha (Amanda Seyfried) luta para reconciliar os pais; Sonia (Holly Hunter) fica atordoada quando seus amigos descobrem um segredo; Lorna (Amy Branneman) consola o ex-marido após o suicídio de sua segunda esposa; Ruth (Sissy Spacek) pensa em trair o marido; Camille (Kathy Baker) enfrenta as conseqüências físicas causada pela dependência química; e Maggie (Glenn Close) vive conforme as vontades da filha.

Rodrigo García, filho de Gael García Marquez, prova o que prometeu em Coisas que você pode dizer só de olhar para ela, que é um diretor competentíssimo, unindo com extrema delicadeza essas nove histórias dessas mulheres com seus medos e problemas, o filme é algo tão maravilhoso de se ver, é algo tão terno o cuidado dele com as atrizes, com os closes, planos e tudo mais que se torna uma experiência única. Assim como Todd Field, Rodrigo García é um diretor de atores, que sabe os conduzir.

Sem dúvida a melhor história contada ali, é a (triste) história da personagem da Glenn Close e Dakota Fanning, ver Close contracenando com Fanning é inspirador, é incrível como a Dakota Fanning consegue ser uma maravilhosa atriz mirim, a mais comovente que fecha o filme com chave de ouro. Outras histórias contadas também são muito importantes para o roteiro, como a de Kathy Baker (que tem que lidar com uma doença), Holly Hunter (que tem que lidar com os amigos que descobriram seu segredo) e Lisa Gay Hamilton (que quer se vingar do padrastro, a personagem com maior carga dramática do filme).

Fugindo da nova onde de filmes que contam com personagens e histórias que se intercruzam, como Babel, Crash - No Limite e outros, Questão de Vida não intercruza nenhuma personagem, nenhuma história, sendo dividia de um modo bem grosseiro, as histórias são divididas por nomes, cada uma tem de 10 a 12 minutos e quando acaba já aparece o nome da outra personagem e sua história. Eu diria que foi uma forma bem grosseira, mas isso não agride o filme em absolutamente nada. Nada é perfeito mesmo.

O filme foi exibido na mostra Panorama do Cinema Mundial, no Festival do Rio 2005, maravilhoso, comovente e triste, mas muito mal distribuído no Brasil, é muito difícil de encontrá-lo na locadoras, somente nas maiores.

Os últimos filmes do diretor Rodrigo García foram muito elogiados, alguns consideraram uma injustiça a atriz Robin Wright Penn não ter sido indicada ao Oscar por sua cena, no lugar das despropositadas indicações de Catherine Keener e Frances McDormand em 2006.

"Cada vida tem uma história e cada história merece ser contada" disse García, talvez isso tenha servido de inspiração para ele, afinal são todas mulheres comuns, donas de casa, madames. Ele com certeza enxerga uma beleza no interior da mulher para conhecê-las tão bem.

Wolf Creek - Viagem ao Inferno (Wolf Creek, 2006)

2007-08-16T07:54:00.000-07:00

Baseado em fatos reais, Wolf Creek – Viagem ao inferno foi selecionado para o Grande Prêmio do Júri no Festival de Cinema Independente de Sundance, o mais novo filme do diretor Greg McLean já se tornou, com certeza, um dos melhores exemplares do terror moderno.
Liz Hunter (Cassandra Magrath) e Kristy Earl (Kestie Morassi) são duas mochileiras inglesas que estão em meio a uma viagem, juntamente com Ben Mitchell (John Jarratt). Ao chegar ao Parque Nacional Wolf Creek, eles observam a paisagem da 2ª maior cratera do mundo. Quando decidem ir embora enfrentam problemas, pois seus relógios e o carro param de funcionar. É quando recebem a ajuda de um caminhoneiro, que passa pelo local e lhes oferece carona. Porém o que eles não contavam é que seriam levados a um acampamento localizado em uma mina abandonada, onde a viagem do trio se transforma em um grande pesadelo.
Partindo de uma premissa completamente oposta do estilo de Hollywood de fazer filmes de terror para adolescente Wolf Creek triunfa, ao usar personagens novos, sem estereotipo, dos velhos adolescentes de filme de terror adolescente atrás de sexo, drogas e bebidas, sem contar na quantidade de personagens, são apenas quatro, McLean os conduz com maestria, a primeira hora do filme é só desenvolvimento de personagens e roteiro, talvez por isso algumas pessoas o acharam tão maçante e monótono. Mas depois do desenvolvimento, quando começa o verdadeiro terror dos adolescentes, se inicia o que eu chamo de verdadeiro terror, cenas de suspense que são conduzidas com extrema, eu disse extrema realidade. Um crítico da Revista Veja disse, mais ou menos, “O que mais impressiona é a realidade”, e esse é com o ponto alto de Wolf Creek, assustador, aterrorizante e sanguinário.
A Fotografia também é muito bela, a cratera na Austrália é mostrada como um lugar opressor, quase deprimente.
O Ápice do filme também se deve ao elenco talentoso demais, com atores pouco conhecidos, como Kestie Morassi (muito parecida com a Jennifer Aniston) e Cassandra Margrath que são as duas estrelas do filme, dando veracidade e densidade aos seus personagens, em algum momento da trama a gente se sente até claustrofóbico quando vemos uma tentativa de estupro e a tentativa daquelas garotas de conseguir sair viva e fugir daquele vilão sádico maravilhosamente interpretado por John Jarratt, que com certeza deixa qualquer Leatherface para trás.
O Fato é que Wolf Creek – Viagem ao Inferno, junto com O Abismo do medo, O Exorcismo de Emily Rose e Meninamá.com, entram para o seleto grupo de exemplares do terror moderno.

NOTA 8,5

Entre Quatro Paredes (In the Bedroom, 2002)

2007-08-14T07:20:00.000-07:00

Baseado no conto de André Dubus, Entre Quatro Paredes, o primeiro filme do diretor Todd Field se sai como um dos exemplares do cinema independente mais respeitados de 2002. Um filme que trata sobre perda, culpa e sentimentos ásperos guardados no âmago do ser humano.
Ruth Fowler (Sissy Spacek) e Matt Fowler (Tom Wilkinson) são os pais de Frank Fowler (Nick Stahl), um jovem garoto que se apaixona por Natalie Strout (Marisa Tomei), uma mulher mais velha e divorciada com um ex-marido violento. Uma mistura perigosa que termina em morte, jogando os Fowler em uma armadilha onde o mundo fica pequeno demais para conviver cara a cara com o assassino de seu único filho.
Uma de suas carcteristicas mais predominantes é a metáfora, em certo momento Matt Fowler explica sobre a armadilha de pegar lagostas, chamada "quarto" que não suporta duas ao mesmo tempo e uma vai acabar ferindo a outra, ou matando. É exatamente o que acontece com eles e o assassino ao longo do filme, como se aquela cidade fosse o "quarto".
O elenco certamente é a força de sustentação do filme, com destaque para Tom Wilkinson e Sissy Spacek. Tom Wilkinson que tem uma carreira extensa, mas pouco conhecida, cria o personagem de forma cautelosa e detalhista, transmite leveza e cria nuances que variam entre a calma e o desespero, sem jamais cair no óbvio, algumas vezes não demonstra expressividade nenhuma como se fosse uma caracteristica do personagem. Sissy Spacek (atriz que venero desde o clássico Carrie) exibe de sua Ruth Fowler na vitrine de sua carreira, expressa no olhar a dor e a culpa de perder um filho de forma tão cruel, expressa nos gestos o desgosto com a vida e principalmente com o marido, resultando num equilíbrio impressionante de personalidade, não é a toa que Spacek voltou a ser a queridinha dos críticos e colecionou prêmios da crítica e no Festival de Sundance. Marisa Tomei, prova maturidade, já que está no único filme decente de sua carreira. Considero a melhor cena do filme aquela em que as cartas são jogadas na mesa entre Ruth e Matt Fowler, ela o culpa por ter encorajado o filho e ele a culpa por ser tão cruel e amarga, um espetáculo conduzido com maestria.
A Fotografia de Antônio Calvache, responsável pela fotografia de Pecados Íntimos, torna aquela cidadezinha quase claustrofóbica, silenciosa, e pouco movimentada, só aumenta o clima de suspense e solidão dos personagens.
Todd Field parece ter aprendido algo com Kubrick já que trabalhou com ele no ótimo De olhos bem Fechados, em 2002 ele entrou para o grupo seleto de diretores promissores. Dividiu o filme em 3 atos, primeiro mostrando a vida daquela família, depois a morte do jovem e por fim o que aquela família fez pra tornar sua dor menor, como uma válvula de escape. Todd Field para mim já é um dos melhores diretores - revelação, junto com Rodrigo García que dirigiu o ótimo Questão de Vida e Coisas que você pode dizer só de olhar para ela.
Entre Quatro Paredes, é um filme que merece uma conferida, só pelo tema que aborda, algo difícil de se ver no cinema hoje em dia e de forma tão maravilhosa.
Ganhou o Prêmio Especial do Júri no Festival de Sundance para Tom Wilkinson e Sissy Spacek e foi indicado ao Grande Prêmio do Júri para Todd Field.

NOTA 9,0